PEDAGOGÍA del DIBUJO

Observamos en un principio la vida en la ciudad, el ajetreo, el caos, la muchedumbre, el mundo del consumismo, los coches, el ruido. El Arte, la respuesta que éste da a esa sociedad, cómo la representa. Continúa con la introducción de las nuevas tecnologías, Internet, la televisión, los avances científicos y acaba planteándonos las preguntas ¿A dónde voy?, ¿Quién soy?, ¿De dónde vengo?.

            Podemos ver los síntomas de la posmodernidad reflejados en este video, ya que lo básico de la cultura posmoderna es la sociedad de consumo, de los medios de masa y del mundo audiovisual. La caída de los metarrelatos y la cibercultura. Cómo las personas dejan de relacionarse de forma presencial para entrar en un mundo recreado, en el que la copia de la copia comienza a ser la base de la realidad en la vida de cada ser humano.

Comienza el video mostrándonos la Tierra y continúa con las relaciones cibernéticas. La política, la llegada a la Luna, el problema de la capa de ozono, la pobreza en el mundo, todo esto contrastado con el mundo mediático que nos rodea, Gran Hermano, Belén Esteban, la modelos de pasarela y los problemas de peso, etc.

            Volvemos a ver aquí los síntomas de una sociedad de cosumo dominada por los medios de masas y el mundo de la cibercultura. Un mundo en el que los valores son confusos y en el que el pequeño relato se hace protagonista. La sociedad del espectáculo, el paroxismo espectacular, que nos llega, por ejemplo, a través de la televisión. La falsificación de la realidad, de las relaciones humanas; y la autentificación de la mentira a través del hiperrealismo “vivir dentro de la copia de la copia” y en muchos casos una copia manipulada.

Parece que estuviésemos observando desde el ojo de otra persona, que simplemente observa la pared mirando de vez en cuando el ordenador. Todo desenfocado, gris, negro, blanco, no existe el color, únicamente en el ordenador. Todo muy poco claro, todo enmarañado… el mundo sin sentido en el que nos sume la posmodernidad, y la visión de este mundo de una forma confusa. La mentira, la copia de la copia, la visión de todo a través de una pantalla, la manipulación, el pequeño relato…

El Arte en general, ha gozado de gran importancia en la Historia de la Humanidad, por ello, el hombre se ha planteado desde muy temprano el desarrollo de sus actitudes artísticas, aunque esta Educación Artística, ha dependido del contexto que la rodeaba en cada momento.

En la Antigüedad el dibujo constituía una de las materias escolares. En la Edad Media, tomó un camino diferente, siendo destinado todo aprendizaje artístico al mundo de los talleres. Sin embargo, en el Renacimiento, se comenzaron a organizar las escuelas y academias de dibujo con un programa de aprendizaje estructurado:

            -Copia de láminas basadas en la geometría.

            -Copia de dibujos con elementos del cuerpo humano.

            -Copia de dibujos de los grandes maestros.

            -Copia de bajorrelieves y estatuas grecorromanas.

            -Dibujo del natural.

-Todo esto apoyado de estudios teóricos en anatomía, perspectiva, etc.

Esta forma de enseñanza se sigue dando, con algunos cambios, hoy en día. Su estructura escalonada, que comienza desde lo básico para ir aumentando en dificultad, permite ir desarrollando destrezas poco a poco y asentándolas, pero se olvida por lo general, de la parte expresiva y de autorrealización de la persona.

En el siglo XX se desarrollan diferentes enfoques de la educación artística en la escuela, como la autoexpresión creativa, el enfoque disciplinar, la cultura visual… Y se crean organizaciones en torno a la Educación Artística.

Con el descubrimiento del arte espontáneo infantil,  comienza la idea de que la actividad escolar debía motivar y estimular los modos propios y característicos de cada alumno para expresarse.

“No todas las personas debían aprender a hacer arte sino, que a través del arte se aprendiera a ser una persona”

En mi opinión este fue un gran paso, ya que esta visión de la enseñanza basada en guiar al alumno es mucho más fructífera y le hace adquirir conocimientos mediante la propia experiencia.

            La DBAE (La Educación Artística Basada en la Disciplina) de Elliot Eisner, se basa en el desarrollo de las habilidades y conocimientos del alumnado para que pueda comprender y apreciar el arte.

Este método, me parece muy interesante y bien estructurado, aunque en mi opinión, debería estar mezclado con la autoexpresión creativa, uniéndolos podría crearse un tipo de enseñanza en la que el alumno reciba nociones de una forma más estructurada y a su vez pueda desarrollar su creatividad desde una base de conocimiento más amplia.

Como se apunta en el texto “Didáctica de la Educación Artística”, la DBAE, se centra tanto en las obras de arte que olvida otro tipo de imágenes más próximos a la vida del estudiante, y por otro lado desatiende los temas emergentes, que también forman parte de la vida cotidiana del alumnado. Todo esto debería tenerse también en consideración y hacer un compendio que una los aspectos positivos de las distintas formas de enseñanza.

Debido a los cambios y transformaciones en el Arte, la Educación y la Sociedad, las ideas, métodos y ejercicios de dibujo en la escuela han cambiado notablemente a lo largo de la historia.

Enseñanza del dibujo se implanta en la primera mitad del siglo XIX

Las enseñanzas artísticas como formación profesional mucho antes.

Primeras reflexiones- Platón y Aristóteles. El Arte tenía dos funciones: utilidad y belleza. El dibujo era una materia escolar.

Arte- oficios manuales- formación en talleres de trabajo: El aprendizaje estaba centrado en los materiales y técnicas.

Antes que los sistemas escolares se organizaron las escuelas y academias de dibujo.

Organización del aprendizaje:

            -Copia de láminas basadas en la geometría.

            -Copia de dibujos con elementos del cuerpo humano.

            -Copia de dibujos de los grandes maestros.

            -Copia de bajorrelieves y estatuas grecorromanas.

            -Dibujo del natural.

Todo esto apoyado de estudios teóricos en anatomía, perspectiva, etc.

Primera mitad siglo XIX- se organizan los sistemas educativos incluyendo el dibujo como materia obligatoria (enseñar dibujo al conjunto de la población).

El dibujo se dividía en dos vertientes: la artística y la técnica.

La tarea de la escuela era asentar los pasos iniciales.

Se realizan los primeros manuales, cartillas y métodos de dibujo.

Se comienza a ver en los garabatos, desproporciones y esquemas característicos de los niños, una manifestación genuina y propia que representa su forma de comprender el mundo.

Algunos grupos de jóvenes artistas querían retornar a las raíces del arte y deshacerse de los viejos principios y axiomas artísticos (como hizo Gauguin).

Se descubre el arte espontáneo infantil.

Comienza la idea de que la actividad escolar debía motivar y estimular los modos propios y característicos de cada alumno para expresarse.

Ÿ   Herbert Read y Viktor Lowenfeld- La autoexpresión creativa.

-Lo decisivo de la Educación Artística, no está en los contenidos de la enseñanza sino en la persona que se está formando.

-Los alumnos son seres humanos que tienen que desarrollarse como personas.

-“No todas las personas debían aprender a hacer arte sino, que a través del arte se aprendiera a ser una persona”

-El dibujo libre y espontáneo se convirtió en el ejercicio fundamental en educación artística.

-Los profesores debían crear en el aula un clima estimulante de confianza y respeto a las innovaciones visuales que cada persona llegara a descubrir.

Ÿ   INSEA (International Society for Education through Art) se constituyó en París en 1954, siendo la organización internacional más importante de Educación Artística.

Ÿ   Rudolf Arheim, afirmaba que las artes visuales constituyen un lenguaje (“ver es pensar”)-consecuencias en la Educación Artística, ya que no está únicamente ligada a la expresión de emociones y sentimientos sino que constituye una forma de pensamiento.

Ÿ   Elliot Eisner: la DBAE (La Educación Artística Basada en la Disciplina).

-Objetivo- desarrollar habilidades y conocimientos del alumnado para comprender y apreciar el arte (conocer la teoría y conceptos artísticos y tener experiencia creadora)

            -Estructura- 4 disciplinas:

                        -Estética

                        -Crítica de Arte

                        -Historia del Arte

                        -Modalidades artísticas

            (Las obras de arte deben ocupar un lugar central y los contenidos de las cuatro disciplinas deben integrarse de forma que vayan apareciendo todas en cada unidad didáctica)

            (El conocimiento de los logros alcanzados por los mejores artistas debe servir como apoyo y estímulo para crear nuevas respuestas)

            Se han cuestionado dos asuntos de esta última teoría:

                        -Por su énfasis en las obras de arte, está desatendiendo otro tipo de imágenes más próximas a la vida diaria.

                        -Por su rígida dependencia de los ámbitos profesionales establecidos en el mundo académico, está desatendiendo temas más emergentes que esas instituciones no siempre incorporan con rapidez.

Como acto impulsivo, cuando nos preguntaron en clase qué era para nosotros la educación, esta fue mi respuesta:

Otras respuestas de compañeros fueron por ejemplo:

            -Traspaso de conocimientos y actitudes.

            -Ayudar al alumno para que encuentre su propio camino.

            -Valores y conocimientos que una persona adquiere durante su vida.

            -Conducir por el camino del saber.

La Real Academia de la Lengua Española nos define el verbo educar con las siguientes palabras:

En la enciclopedia tiene dos referencias etimológicas, del latín educere "guiar, conducir" o educare "formar, instruir".

            -“Proceso de transmisión de conocimientos, valores, costumbres y formas de actuar”

Reflexionando un poco más sobre el tema, pienso que el concepto de educación, incluye muchos más matices. Debemos tener presente que existe la educación como acto de educar, o la educación como valores que posee una persona.

            En el sentido de acto de educar, que es el que vamos a definir diremos que:

La siguiente pregunta que se nos plantea es ¿Cuáles serían tus argumentos para definir la educación artística de cara al presente?

Aunque profundizaremos más adelante acerca de esto, después de tener conocimiento de la existencia de diferentes teorías sobre la educación (miméticas, expresivas, objetivas, pragmáticas) en mi opinión, habría que hacer un compendio que englobara matices de cada una de ellas, por ejemplo, la teoría objetiva (Gestalt) tiene mucho que aportar, debido a que los conocimientos objetivos siempre son importantes dentro del proceso educativo, sin embargo debería irse entrelazando con la psicología cognitiva, que aporta la conexión del contenido con el contexto y una enseñanza más individualizada. También creo que hay que simultanear la educación que se dedica a “formar” (llenar) con la educación que pretende “hacer salir” (guiar), de esta forma, tanto se le inculcan nuevo valores y conocimientos al alumno como a su vez se le hace sacar y se incentivan aquellos que él ya poseía.

MIEMBROS DEL GRUPO:



Alfonso Barrios

María José Cosano

Susana Romero

Mónica Torres

Sergio Tena

Álvaro Madrena

Claudia Ruiz

Galadriel Bravo

            La narración está hecha a “pie de calle”.

            Introducción: presentación del profesor.

            Desarrollo o nudo: toda la trama de la película.

            Desenlace: abierto.

            No tiene banda sonora, sonido ambiente.

            Podría ser un retrato social.

            Todo está realizado en primeros planos y escenas de interior.

            Con primeros planos, filtro de tonos grises. Utiliza una tonalidad de baja intensidad.

            Pensamos que por actores profesionales.

            Tonos grises y fríos de baja intensidad.

            Lineal (introducción, nudo y desenlace)

            El profesor es un mediador, expone los contenidos de la asignatura pero a la vez media entre y con los alumnos para ayudarlos de forma ética en su día a día.

            Sí.

            Hasta que entran en conflicto la educación escolar y la educación familiar.

            Existiría más respeto en clase, al menos de cara al profesor, aunque fuese de una forma falsa.

            Sí.

            Sí, el profesor debe ajustarse a una enseñanza multicultural.

            Cuando se habla de conceptos más abstractos es más difícil que todos lo entiendan.

            Más allá de los límites personales.

            Hay una lucha entre ellos y en cada momento la balanza se decanta por uno más que por el otro.

            No.

            El profesor introduce la educación artística para fomentar la libertad del alumnado, la libertad de expresión, por ejemplo en el caso de la realización del retrato personal.

            Para que no se le rebelen.

            Como una “falta de paz”, hipocresía por ambas partes.

            Ambos están equiparados.

            El comportamiento de los alumnos.

            Estrés psicológico, impotencia…

            Sí.

            Pesimismo.

            La ética.

            Es muy complicado ponerse en el papel del profesor en ese tipo de circunstancias, ya que cada uno respondemos de manera distinta a los problemas que se nos presentan. En principio habría que tener en cuenta sobre todo la enseñanza multicultural y quizás dejar más clara desde el principio la relación alumno-profesor, aunque en la práctica no es tan fácil como en la teoría.

Para Arthur Danto, los movimientos artísticos actuales carecen de vitalidad. En su texto se pregunta: ¿tiene el Arte futuro? Para contestar a esto, nos habla de dos caminos, la especulación sobre el futuro del Arte, o en otro sentido las características del arte venidero, presuponiendo su existencia.

Continúa diciendo que las formas de manifestar el Arte, remiten a la época en la que se realiza, ya que para imaginar solo se cuenta con aquello que se conoce. Esto hace referencia a lo que ya analizamos en los textos anteriores, la unión del Arte con la época a la que pertenece y su representación de los síntomas de esa cultura.

Danto parte de la idea de Hegel de que el Arte ha llegado a su fin como etapa histórica, es decir que Arte e Historia han tomado caminos diferentes, pero ¿quiere esto decir que el Arte está desestructurado?

Antiguamente el Arte ha ido progresando y evolucionando por ejemplo en el sentido del movimiento y la perspectiva, pero actualmente según Danto se producen cambios sin evolución, es decir, se combina una y otra vez lo que ya se conoce.

Para Arthur Danto, existen tres modelos histórico-artísticos: el primero es el de la mímesis; el segundo el que hace referencia a las experiencias y otras formas del arte; y el último, llamado modelo final, nos dice que será aplicable al arte en un sentido muy amplio, y que remitirá tanto al concepto de “arte” como a si éste ha llegado a su fin.

Para Danto, “la temática inmediata de las obras maestras, cuando existe, no es más que una ocasión para la temática real, que es la demostración del virtuosismo”. Esto eliminaría por completo el concepto de idea en las obras. Y para mí no es cierto, ya que por ejemplo en Velázquez o en Goya podemos ver muchas cosas más halla de simples cuadros que se pintan por encargo de la Corte.

Nos habla ahora del futuro del arte construido en términos de progreso de la representación, y nos dice que sería posible hablar del fin del arte, al menos como disciplina progresiva.

En mi opinión, tenemos tan claro el Arte del pasado, que necesitamos más perspectiva histórica para poder comprender a grosso modo el Arte de la actualidad, pero no por ello este no progresa o se ha quedado estancado.

Hacia 1905, se habían descubierto casi todas las estrategias cinematográficas, y es en este momento cuando los artistas tienen que redefinir el Arte. Comienzan entonces a decir que los pintores  expresan más que representan. Pero la expresión no es una secuencia evolutiva, por lo tanto, había que elegir ahora si existía un déficit técnico en algunas obras o si realmente estaban expresando. Todo esto nos lleva también al mundo del artista, la historia individual.     

Arthur Danto en una de sus frases dice “si queremos pensar que el arte tiene un fin, no sólo necesitamos una concepción lineal de la historia del arte, sino también una teoría del arte lo suficientemente general como para incluir otras representaciones además de las que ejemplifica la pintura ilusionista”.

Para él, el éxito de la teoría expresiva, fue el de saber explicar el arte de forma uniforme, pero su fracaso era la utilización de un solo modo para explicarlo todo.

La filosofía por ejemplo, nos dice el autor, es esencialmente reflexiva y su naturaleza es una de sus preocupaciones. En el caso del Arte, su estadio histórico, finaliza cuando se sabe lo que es el arte y lo que significa.

Hoy en día la división entre objeto y sujeto en el mundo del Arte ha desparecido. Para Danto, ha llegado la era del pluralismo en la que todo vale, aunque afirma que el Arte siempre tendrá un papel que desempeñar si los artistas lo desean. Y finaliza diciendo que su libertad acaba en su propia realización.

            En mi opinión, es cierto que el Arte desempeñará un papel si los artistas así lo deciden, pero también formará parte de esto la sociedad, que será quién juzgue el Arte y decida lo que responde al término y lo que no. Pero por otro lado, no pienso que su libertad acabe con su realización, ya que el Arte es libre y es un devenir de ideas que está envuelto en un constante proceso de cambios. Quizás parezca que definiendo el Arte estamos atando el término y por lo tanto eliminando su libertad, pero esto no es así ya que lo único que estamos haciendo es unificar las cualidades que ha tenido este concepto a lo largo de la Historia, teniendo siempre presente que es relativo y por lo tanto abierto al progreso y a todo tipo de cambios.

            No creo que el Arte se haya separado de la Historia, ya que tampoco podemos describir la historia en un día como hoy por ejemplo, simplemente, y con palabras de una profesora, estamos dentro de un bosque espeso y cerrado en el que las copas de los árboles no nos dejan ver con claridad ni emitir juicio o dar valores sobre lo que tenemos a nuestro alrededor, eso quiere decir que hay que esperar quizás a ver las cosas con un poco más de perspectiva para que el tiempo vaya cribando lo que realmente merezca la pena resaltar de cada momento y de cada cultura, aquello que sea la representación primordial del Arte o de la Historia en un momento determinado.